CHRIS WOLSTON SOBRE LA CONEXIÓN HUMANA Y LA CULTURA MATERIAL

SARAH LEN: Háblenos de su viaje creativo hacia la materialidad.

CHRIS WOLSTON: Recibí una beca Fulbright y elegí Medellín por la increíble relación entre la producción, la materialidad, la cultura material y el entorno vital. Mi beca se centró realmente en lo que se ha convertido en la base de mi práctica de estudio: observar el material presente en la cultura material, el pasado histórico, la arquitectura contemporánea, la producción artesanal actual y cómo estos materiales se utilizan en diversos entornos de producción que luego son absorbidos y valorados dentro de la cultura material.

Inicialmente, me centré especialmente en la terracota, un material que existe en la tierra, que existe en el pasado histórico, en la cerámica precolombina. El color de la ciudad de Medellín es literalmente naranja, miras los barrios que se levantan en la montaña y el valle y es de este hermoso color terracota. El material se utiliza en la producción automatizada, como el ladrillo y los utensilios de cocina artesanales de todos los días. Exploro la recontextualización de los materiales cotidianos.

SL: El ratán es habitual en su práctica. ¿Qué le atrae en particular de este material? 

CW: En Medellín hay muchos muebles de mimbre tejido. Me parece un material interesante porque implica una relación humana tan hábil y una comprensión del material para aplicarlo de una manera especial. Las formas que vi no hablaban realmente del nivel de maestría humana que hay en el proceso. Así que con las formas de esta colección, como el armario y las sillas, quería crear volúmenes escultóricos que transportaran el material a un lugar diferente.

SL: ¿Cuál es la inspiración de Temperature’s Rising?

CW: Ha sido una interesante relación de trabajo con los artesanos. Trabajamos con una cooperativa de reparto de beneficios en la cima de la montaña, a las afueras de la ciudad. Son unos auténticos maestros. Por ejemplo, con este armario, el mimbre va en diferentes direcciones, no hay una superficie plana, todo es redondeado, y ellos decían «es imposible, no podemos hacerlo». Yo dije «por supuesto que podéis hacerlo, sois unos maestros del material». Así que trabajamos juntos y encontramos la manera de hacerlo realidad. La obra existe en este contexto como mueble escultórico, pero hay una investigación intensiva en el estudio.

Hay piezas tapizadas, incluido el primer sofá que he hecho. En Colombia hay una cultura de coleccionismo de arte, pero cuando se trata de muebles, en particular de muebles de arte, todavía no hay un lugar para ellos en la cultura material y de coleccionismo. Quería crear una colección de muebles que utilizara estas prácticas que hemos desarrollado, pero que llevara el nivel de acabado del material más allá de lo que había presentado antes. La obra se siente de lujo, al tiempo que mantiene la historia de cómo está hecha. Trabajamos en diferentes fundiciones y utilizamos técnicas de estudio muy calientes, de ahí el aumento de la temperatura.

SL: ¿Cómo le ha influido su estancia en Ghana y Colombia como diseñador?

CW: Ghana fue antes de entrar en América Latina y lo que me fascinó fue el grado de reutilización, reciclaje e ingenio. En Estados Unidos, tenemos acceso a cualquier material que queramos. En otras partes del mundo, hay menos acceso. El material existe, pero en otros formatos. Por ejemplo, en Ghana trabajamos con fundidores de bronce que replicaban las formas escultóricas maternas de las tribus que habían existido allí durante siglos. El material era pernos y tornillos fundidos. Los moldes de barro y el producto que se fabricaba eran exquisitos. Esa experiencia en particular inició esta investigación de buscar otras formas de crear cosas a través de la exploración de la materialidad. El Instituto Kokrobitey de Ghana se ha ampliado desde entonces para convertirse en un centro de recursos de producción de arte y diseño con un fuerte énfasis en los materiales reciclados.

Del mismo modo, en Medellín una de las cosas más valiosas e inspiradoras es la diferente ideología sobre el despilfarro y la reutilización. Los objetos que normalmente se tiran a la basura, no se ven como desechos o desperdicios. Siempre hay un uso secundario o una aplicación. Como fabricante y artista, vemos el mundo de esta manera. Dentro de esta estructura y conciencia de la reutilización, hay una mayor conexión humana con el material, y para mí hay algo muy poético en ello.

SL: ¿Qué ha aprendido sobre la colaboración con artesanos especializados?

CW: Creo que la paciencia es muy importante. Si uno se equivoca a la primera, a la segunda y a la tercera vez, es muy importante no desanimarse. Una de las cosas de las que hablo con los artesanos es que estas piezas superan los límites de lo que creían posible. Llegar a ese punto requiere tiempo y mucho ensayo y error.

SL: ¿Cómo ha evolucionado su trabajo desde su primera colección?

CW: Podemos hablar de 2016, era todo trabajo de aluminio fundido en arena. La mayoría de las piezas utilizaban una técnica de quemado de espuma. Una de las cosas que me interesan cuando se trata de una nueva colección, es empujar el proceso material a un nuevo nivel inesperado, pero también lanzando en nuevas aplicaciones y materiales. Con mi investigación más amplia y el contexto de la cultura material en la ciudad donde hacemos las cosas, es importante mirar alrededor y ver lo que hay y trabajar con eso. El nivel de acabado de lujo es importante porque este trabajo es tan experimental; tener este nivel de acabado ofrece una vía de entrada a las piezas y a la historia.