JOHN HOGAN SOBRE EL DISEÑO Y SU COMPRENSIÓN INTUITIVA DE LA LUZ
Fotografía de Amanda Ringstad, David Clugston, Erich Ginder y John Hogan
John Hogan es un artista de la escultura en vidrio con una nueva muestra, Ultraviolet, que se expone ahora en The Future Perfect de San Francisco. La luz es un componente proactivo e integral de la práctica escultórica de Hogan. No es sólo una condición ambiental efímera en la que se coloca su vidrio, sino una parte importante de la propia escultura. John habla a MATERIA de sus musas, de su trayectoria creativa y de lo que está por venir en su práctica.
VEER, 2016. VIDRIO FUNDIDO EN HORNO Y TRABAJADO EN FRÍO. FOTOGRAFÍA DE AMANDA RINGSTAD.
MATERIA: Empecemos con su historia de origen. ¿Dónde creciste? ¿Cómo comenzó su viaje hacia el diseño y qué influyó en su evolución como individuo creativa?
JOHN HOGAN: Crecí en Toledo, Ohio. Empecé a fabricar vidrio en el Museo de Arte de Toledo cuando estaba en el instituto y me dirigí a Seattle para seguir una carrera en el sector del vidrio después de graduarme en la universidad. Durante los primeros años aquí en Seattle me centré en desarrollar mis habilidades y llegar a un punto en el que pudiera permitirme tener mi propio estudio. En 2010 algunos de mis amigos y yo comenzamos Studio 5416 donde desarrollé mi trabajo durante los primeros 5 años más o menos. Alrededor de 2014 empecé a conocer y a colaborar con miembros de la comunidad de diseño local, como Ladies and Gentlemen Studio, Erich Ginder, lacoli y McAllister. Mi voz como creativa despegó realmente cuando dejé de centrarme tanto en el proceso y me fijé más en el propio material, así como en intereses externos como la música y la culinaria en busca de inspiración.
MATERIA: ¿Quiénes han sido tus mentores o musas en la industria del vidrio?
JH: Scott Darlington fue mi primer mentor real en el vidrio. Él fue quien me dijo que mirara más a todas mis otras pasiones en la vida a la hora de abordar la búsqueda de voz e inspiración para un nuevo trabajo. Más tarde, trabajé en Milan Handl, en Novy Bor, para aprender la fundición en horno al estilo checo y el trabajo en frío. Osamu y Yumiko Noda me ayudaron mucho a pensar en el vidrio desde una perspectiva más fundamental. El matrimonio Stanislav Llibensky y Jaroslava Brychtova son mis héroes del vidrio.
MATERIA: Se trasladó de una comunidad centrada en el vidrio en Toledo a otra en Seattle, ¿cómo ayuda la comunidad y la colaboración a su proceso creativo?
JH: Toledo es la cuna del movimiento del vidrio de estudio. Es el lugar donde los artistas colaboraron por primera vez con los ingenieros de las fábricas para reducir la tecnología del vidrio industrial y hacer arte con un enfoque más experimental en Estados Unidos. Cuando yo era una niña, el movimiento llevaba más de 30 años, se habían creado muchos estudios y había una increíble comunidad de artistas por toda la zona. Esa comunidad colaboró con el Museo de Arte de Toledo para fundar su primer estudio de vidrio caliente, donde pude aprender a trabajar con el vidrio a una edad temprana. Seattle, debido a su proximidad a la escuela Pilchuck Glass, se ha convertido en el hogar de una comunidad de vidrieros progresistas desde su creación a principios de los años 70. Sigo aprendiendo y trabajando con la comunidad de especialistas que hay aquí en Seattle. El vidrio caliente es siempre un proceso de colaboración, centrado en el equipo, pero trabajar en Seattle con especialistas en el trabajo en frío, la formación del horno y la fabricación de moldes me permite llevar mis intenciones de diseño más allá de mis propias especializaciones.
MATERIA: ¿Qué retos existen en tu práctica creativa?
JH: Trabajar con el vidrio es caro. A veces puede ser difícil, sin residencias y encargos financiados, impulsar enfoques o conceptos experimentales y nuevos. Menagerie es una obra más reciente y un regreso a la escultura en miniatura, más parecida a la escala en la que trabajaba cuando empecé mi estudio en Seattle. Trabajar a pequeña escala es muy liberador para mí y me permite impulsar nuevos enfoques y estéticas.
MATERIA: Hablas de la relación entre el objeto y la luz. ¿Puede explicar más sobre esta dinámica y cómo afecta a su trabajo?
JH: En mi trabajo suelo crear lentes esculturales, a veces de color, que concentran y dispersan la luz de formas únicas. Al trabajar con el vidrio, la luz no sólo hace visible el objeto, sino que realmente cambia debido al objeto. A medida que avanzo en mi trabajo con el vidrio, voy creciendo en mi comprensión práctica e intuitiva de la luz.
MATERIA: ¿Hay alguna pieza en la actual exposición de The Future Perfect en San Francisco que le llame la atención? ¿Qué tiene de especial que va más allá del ojo?
JH: Cóncavo con azul es una pieza que combina las características de enfoque de la luz de una lente de menisco negativo con el cambio de saturación de color posible con este tipo de cuerpo de cristal y una rebanada gráfica y contrastada de vidrio dicroico azul eléctrico. La combinación de vidrios dicroicos y cuerpos de cristal de color es algo que estoy deseando explorar más en futuros trabajos.
MATERIA: ¿En qué estás trabajando actualmente y que te hace ilusión compartir?
JH: Estoy trabajando con el arquitecto James Cheng, los arquitectos paisajistas PFS y el promotor Ian Gillespie en Westbank en un proyecto en Seattle llamado First Light. Es mi primer proyecto de esta envergadura en el que trabajo con el vidrio de diversas maneras, mezclando aplicaciones arquitectónicas y escultura en todo el edificio. La pieza principal es un velo de vidrio sobre las seis primeras plantas del edificio, compuesto por más de 16.000 lentes ópticas que pretenden asemejarse a un trozo de seda que cubre el podio de la torre.
TIMBER, 2015. VIDRIO EXTRUIDO Y TRABAJADO EN FRÍO.
