ALEX P WHITE PARA MATERIA SOBRE JOHN PORTMAN, CIENCIA FICCIÓN Y SKOTE

Enrique Giner de los Ríos: En tu obra hay constantes referencias a épocas anteriores, pero no diría que es una estética nostálgica. Veo guiños contemporáneos a decisiones de interiores que uno podría pensar que desaparecieron hace décadas. ¿Es una práctica habitual en su trabajo indagar en las referencias visuales?

Alex P White: Definitivamente, diría que la esencia de mi proceso de diseño es la referencia y el contexto. Supongo que siempre miro hacia atrás para ver hacia adelante y, desde luego, empiezo cada proyecto en mi biblioteca, clasificando imágenes. Pero tienes razón, no me interesa apropiarme de un pasado idealizado. Me gusta cómo lo describes como un «guiño».  Eso tiene todo el sentido para mí, mi sensibilidad es una estética tan camp. Parafraseando algo sobre el camp que leí hace tiempo y de una fuente desconocida; cuando el artificio se expone o se expresa con sinceridad, puede tener un atractivo perversamente sofisticado y así es como pienso en las referencias de mis proyectos, como las citas. Una silla no es una silla, es una «silla».

Se trata de una cosa que llamo «chooch». Es una energía o quizás algo más parecido a un ingrediente, una especia que realza el sabor a través de la tensión. Algo que está un poco fuera de lugar por sí mismo, pero que cuando se utiliza con cuidado y criterio lo eleva. Eso es lo que suelo buscar, un detalle que se haya olvidado o alguna opción estilística que ya no esté de moda, o que pueda cuestionar alguna convención y parezca que merece la pena volver a investigar. También me interesa mucho el potencial simbólico del diseño. Me gustan las historias. Necesito esa narrativa y las referencias se convierten en una especie de guía en mi proceso de toma de decisiones. El diseño es un proceso continuo y, al final, la combinación más inteligente de referencias es la que ofrece las experiencias más variadas y emocionantes.

EGR:¿Cuáles diría que son sus influencias básicas y más importantes?

APW: Esta es una pregunta difícil, hay muchas en diferentes etapas, pero para ser honesto, si estamos hablando de influencias formativas, tendría que decir que la guarida en mi casa de la infancia y la televisión por cable, por muy banal que pueda sonar. Me estoy riendo literalmente mientras te escribo esto, pero es cierto. También se trata de la época y el lugar específicos, a finales de los 70 y principios de los 80 en Atlanta, Georgia. Esto podría requerir una historia para obtener la esencia.

EGR: No veo por qué no podemos seguir con Atlanta y Cable TV. ¿Se arrepiente de alguna de estas influencias? ¿Intentó ocultarlas? ¿Las negaste y luego las volviste a permitir?

APW: Por supuesto, durante un breve periodo de tiempo rechacé mi pasado, tuve que lidiar con cierta vergüenza, como la mayoría de los niños maricas, pero aprendí a inclinarme y a aceptar realmente mi experiencia y sus influencias en mi estética y mi trabajo. Crecí en una familia que rara vez expresaba algo a través del diseño, excepto en un caso que realmente destaca. Mi padre es ingeniero y durante un breve periodo de tiempo, cuando yo era muy joven, dejó su empresa para trabajar como autónomo. Diseñó y construyó un estudio en nuestro sótano con un garaje adjunto que se convirtió en su estudio y taller, así como en el lugar de reunión de la familia.  Tenía ese aire artesanal y sexy de los años 70 que todavía tengo muy presente. Todo estaba hecho a medida y empotrado, con moqueta de pared a pared, una barra de corcho y altavoces de madera contrachapada hechos por mi padre. No bromeo, estaban teñidos con capas de laca marrón oscura y acabados con cubiertas de altavoces de arpillera. Me encantaban. Bailaba encima de esos altavoces con un pijama de leopardo, escuchando discos de Ike y Tina Turner, entreteniendo a los amigos de mis padres. Siempre soñaba con una vida adulta con mi propio foso de conversación y una decoración de madera en diagonal. En realidad, nunca me interesó demasiado ser un niño. En cuanto supe leer, me puse a rebuscar entre las Playboy de mi padre -no discretamente escondidas, debo añadir, eran decoración-. Eran los años 70 y Playboy era como mi Internet. Era una época muy emocionante culturalmente y Playboy estaba a la última: la revolución sexual, las películas de arte, las Panteras Negras, el punk, el movimiento de las mujeres y yo estaba allí para ello. La mayoría de mis influencias y preocupaciones se remontan a esa época y a ese Den. Me di cuenta entonces de que los espacios pueden ser la encarnación de algo emocional y simbólico y nunca lo olvidé. Sé que suena esotérico, pero la energía de un entorno y cómo se siente es casi tan importante para mí como su aspecto.

EGR: Tengo curiosidad por saber cómo influye la televisión por cable en su trabajo de diseño. ¿Puede explicarlo?

APW: Mi introducción al «diseño de interiores» fue principalmente cinematográfica. Estaba totalmente enamorado de la escenografía de los programas de televisión de variedades de los años 70.  Todos esos escenarios de varios niveles, las piezas de decorado motorizadas y las rampas extensibles, las rocas falsas y las cascadas, eran una locura. Quería vivir en esos decorados de The Cher Show. Algunos de mis primeros dibujos eran de artistas con trajes locos en platós de televisión.

Luego llegó la televisión por cable y mi mundo explotó. Todas esas opciones: programación «para adultos», programas extraños de ciencia ficción, películas nocturnas de arte y ensayo y MTV. Los vídeos musicales me expusieron a muchas cosas. Me gustaba mucho la Nueva Ola. Así que también debería incluir la música y, en particular, la presentación visual que acompañaba a la música como una influencia importante

Pero fue la escenografía futurista y de otro mundo de películas comoLogan’s Run y Space 1999 lo que realmente me hizo interesarme por el diseño. Espacio 1999 era casi como una galería de diseño de los años 70, con trajes diseñados por Rudi Gernreich y naves espaciales equipadas con diseñadores italianos clásicos como Gae Aulenti, Vico Magistretti y Mario Bellini. Es lógico que me atraigan los interiores teatrales y excesivamente estilizados, ¿verdad? Estoy muy agradecida de que mi trabajo consista en crear casas y espacios de ensueño para mis clientes. Me encantan esas relaciones, pero también me gusta mucho la fantasía de crear imágenes de mis interiores. Esa es la parte que siento como mía, con la que me quedo y que se remonta a la escenografía y a la televisión por cable.

EGR: El skyline de Atlanta tiene un poco de esa estética futurista de los 70. ¿No es el arquitecto John Portman el responsable de buena parte de él? ¿Conoce su obra? 

APW: ¡Claro que sí!  Me gusta mucho su trabajo. Estaba muy obsesionada con el horizonte de Atlanta mientras crecía. Uno de los edificios más reconocibles de Portman, el Hyatt Regency, tiene una cúpula azul con forma de platillo volante que flota en la parte superior, como si acabara de aterrizar allí. Alberga un restaurante giratorio, así que, por supuesto, rogué a mis padres que me llevaran. Se llama Polaris, oh, el glamour de todo esto. Todavía estoy obsesionada con el Peachtree Center, donde se encuentra el Hyatt. Es un proyecto urbanístico bastante salvaje que comenzó en los años 70 y se terminó en los 90. El proyecto fue muy disputado en su día. De hecho, he oído que algunos de los edificios están siendo renovados, espero que no se arruine. No creo que muchos promotores contemporáneos sepan qué hacer con los atrios de Portman. Hay tanto espacio que no se puede convertir fácilmente en más alquiler.

Anyway, the project was intended to revitalize the city by reimagining “downtown” as this giant enclosed mall. The concept is a realm of futuristic convention hotels with soaring atriums, shopping galleries and office buildings all linked by this insane network of enclosed pedestrian sky bridges. Seriously, once you enter Peachtree Center you can literally traverse blocks and blocks of the city, suspended high above or below street-level without ever leaving the interior space of the complex. There are indoor water features, hanging Babylon style gardens, revolving restaurants, and glass elevators. It was about as close as I could get to the set of Logan’s Run or Space 1999 and I couldn’t get enough. As a kid it was my amusement park, my spaceship and my first real experience visiting design that looked like the TV shows and the movies I loved.

En cualquier caso, el proyecto pretendía revitalizar la ciudad reimaginando el «centro» como un gigantesco centro comercial cerrado. El concepto es un reino de hoteles de convenciones futuristas con atrios elevados, galerías comerciales y edificios de oficinas, todos ellos conectados por esta insana red de puentes peatonales cerrados. En serio, una vez que entras en el Peachtree Center puedes atravesar literalmente manzanas y manzanas de la ciudad, suspendido por encima o por debajo del nivel de la calle, sin salir nunca del espacio interior del complejo. Hay elementos acuáticos interiores, jardines colgantes al estilo de Babilonia, restaurantes giratorios y ascensores de cristal. Era lo más parecido al plató de Logan’s Run o Space 1999 y no me cansaba. De niño era mi parque de atracciones, mi nave espacial y mi primera experiencia real de visitar un diseño que se parecía a los programas de televisión y a las películas que me gustaban

Dato curioso: La música Zola Jesus nombró su álbum de 2010 Stridulum en honor a una película italiana de ciencia ficción de los años 70 que se rodó en gran parte en el Peachtree Center y sus alrededores. La película está protagonizada por la prima de mi mejor amiga de la infancia, Paige Connor. La versión americana de 1979 se llamaba The Visitor – es una película que hay que ver, también mira Sharky’s Machine protagonizada por Burt Reynolds. También se rodó en los alrededores de Peachtree Center.

EGR: Me impresiona Entelechy II, su casa de verano. Su fachada es extremadamente teatral. ¿Considera que es un buen punto de inflexión en su obra? En realidad, no veo ahí la ciencia ficción, sino una posmodernidad desatada.

APW: Toda la casa es una experiencia extremadamente teatral al más puro estilo Portman, pero no la veo como un punto de inflexión sino como una evolución. Todas sus ideas clave siguen estando ahí, pero estoy de acuerdo contigo en que la arquitectura se centra más en la abstracción y la combinación de estilos históricos que en el futurismo mod de su obra anterior. Entelechy II se consideraría sin duda un PoMo en toda regla, pero yo lo llamaría Modernismo de Fantasía, porque es muy emotivo y evocador y realmente impresionante. Es como un museo repleto de sus propias obras de arte que utiliza para ampliar las ideas arquitectónicas de forma escultórica. Es decir, simplemente WOW. Entelechy II es definitivamente su obra maestra en mi opinión, su «Gesamtkunstwerk». Lo que realmente me deja boquiabierto, más allá de la obviedad, es ese techo de paraguas. La estructura cuadriculada se apoya en una serie de columnas explotadas que utiliza para ocultar las escaleras y los pasillos.  Estos conectan una serie de pabellones más pequeños contenidos bajo el paraguas organizador de la cubierta, algunos espacios públicos para los invitados y el resto privados para la familia. Portman es un maestro de la estratificación de volúmenes de esta manera que parecen colapsar la estructura y el recinto, la forma y el espacio, el interior y el exterior hasta que se abrazan y se convierten en uno. Entelechy II es sin duda una de las mejores casas de todos los tiempos.

EGR: Usted procede de las Bellas Artes, mientras que la mayoría de la gente en su línea de trabajo procede de la arquitectura. ¿Cree que eso se nota en su trabajo? ¿Cuáles son algunos de sus proyectos relacionados con el arte?

APW: Espero que cualquier trabajo que haga tenga capas y sea emocional y resuene en algunos niveles más profundos, pero para responder a su pregunta con sinceridad, no estoy totalmente seguro de cómo se traduce artísticamente mi trabajo de diseño.

There was a time where I felt like I had to justify or defend the old art vs design questions. Antes de dedicarme profesionalmente al diseño de interiores, realizaba instalaciones artísticas, arte público, proyectos de participación social y performances con SKOTE. El tema de la mayoría de estos proyectos estaba relacionado con el diseño y se veía más a través de esa lente que de una crítica de arte. El diseño no se tomaba tan en serio como el arte, quizá la arquitectura sí, pero todo lo relacionado con el diseño de muebles, la escenografía, la performance o cualquiera de las artes decorativas se consideraba menos importante en las jerarquías de producción cultural que el arte propiamente dicho.Ya no creo que sea así, pero sí que tenía ese diálogo con bastante frecuencia.

Lo pasé muy mal con las categorías y las etiquetas al crecer como niño marica en general. Quería que todo fuera fluido, pero aún no tenía un lenguaje para estas ideas. Me gustaba mucho la revista Interview y todo lo relacionado con Warhol, así que todo lo que aprendí sobre arte surgió de ahí. Descubrí a Duchamp y sus ready-mades en el instituto y eso marcó mi rumbo hacia la escuela de arte. Si cualquier cosa podía ser arte cuando se recontextualizaba o rencuadraba, entonces eso era lo que quería hacer… para que quede claro, también quería estudiar arquitectura, pero la escuela de arte se impuso cuando empecé a visitar los campus y a asistir a las fiestas. LOL. Ingenuamente pensé que iba a ser artista porque podía hacer todo lo que me interesaba y llamarlo arte, incluyendo el diseño, la música y la moda. 

EGR: ¿Puede contarnos algo más sobre su proyecto SKOTE?

APW: SKOTE es un proyecto de actuación a largo plazo (desde hace casi 20 años) y me resulta muy querido. En realidad fue mi madre quien acuñó el término skote. Para ella era un sustantivo y un adjetivo que describía algo indeseable e incluso un poco peligroso. Por supuesto, adorábamos todo lo que mi madre llamaba skote, para nosotros era como el punk, algo rebelde y contrario.

De hecho, fue una de mis más antiguas amigas la que introdujo el término skote en nuestro grupo de amigos. Lancina la Diosa de la Diversión alias Secrets Le Secrets era una de las favoritas y mejores estudiantes de piano de mi mamá. Apreciaba su chifladura más que nadie. Al final de la licenciatura, skote se convirtió en una jerga popular entre mis amigos, pero había adoptado el significado de «tan malo que es bueno» o lo que siempre llamábamos «s’wrong s’right».

A finales de los años 90, todos salíamos y trabajábamos en un restaurante vegetariano de Atlanta llamado Homage. Durante el día era un restaurante y por la noche un bar/música. Fue mi primer encargo de diseño de interiores y lo llené de macramé, de mi colección de muebles peludos de los años 70, de luces de ambiente de colores y de un foso de conversación de madera que se parecía a la lengua de los Rolling Stones y al jacuzzi. Esencialmente, éramos todos los chicos del club que se divertían como si fuera 1999 y se veían como si fuera 1979. Es aquí donde conocí a mi colaboradora, la Sra. Jill Pangallo de Nueva York. 

Jill y yo reemplazamos el Club con programas de MFA más o menos al mismo tiempo, así que formalizamos las cosas. Skote se convirtió en SKOTE, nuestro proyecto de arte escénico, principalmente como una forma de seguir pasando el rato y jugando a disfrazarse, pero más centrado en el contenido para que la producción y la presentación pudieran evolucionar.  

Desde entonces hemos actuado en museos, clubes nocturnos, teatros, galerías, iglesias y espacios públicos, en campamentos de verano, en residencias artísticas y para la cámara. Hemos realizado actuaciones específicas en almacenes, en el interior de coches, en vertederos, en pisos abandonados e incluso en Home Depot. Siempre nos interesa el contexto de nuestras actuaciones, por lo que filmamos y editamos juntos el material de la actuación improvisada como un tipo de intervención y espacio coreográfico para el vídeo. Una vez incluso hicimos una serie como homenaje a los Radical Italians y montamos performances de vídeo para algunas de mis exposiciones de diseño de muebles.

Nuestras actuaciones son tan tontas y terapéuticas como oportunidades para ampliar la realidad y explorar un compromiso crítico con el contexto y la alteridad. Espero que sigamos 30 años más: la idea de meterse en un traje de baño para una actuación parece el objetivo ideal de un octogenario.

Para más información acerca de Alex P White, póngase en contacto con The Len Co. una agencia que representa a una nueva generación en el diseño, la cultura, el arte, la hospitalidad y la arquitectura.